9 artistas que usan equipos modulares de formas poco convencionales

Los sintetizadores modulares parecen intimidantes. Están llenos de perillas, luces LED parpadeantes y cables coloridos que se entrecruzan; a primera vista, un sistema modular no parece terriblemente atractivo o intuitivo. Si bien es cierto que su circuito es complejo y hay una pequeña curva de aprendizaje al usarlos para componer música, los sintetizadores modulares son bastante simples en su esencia.

“Lo que estamos haciendo es esculpir la electricidad que sale de la pared”, explica el productor Gareth Jones. "Es como tomar un bloque de piedra en bruto y cincelarlo". Otros artistas, como el compositor e ingeniero Arushi Jain, lo ven como una conversación: "Cuanto más tiempo pasas con el parche [y] los módulos específicamente, más comprendes sus comportamientos, sus características, sus tendencias anormales".

Cuando le explico mi equipo modular a un extraño curioso, lo que más resuena es referirse a él como un "cerebro". Les digo que cada módulo tiene una función específica: algunos generan señales, algunos agregan o eliminan frecuencias, algunos son efectos como retardo o reverberación, y que cada punto de conexión actúa como una sinapsis. Los cables de conexión transmiten electricidad y le indican a ciertos procesos que se inicien. Por lo general, asienten. "Oh, está bien, eso tiene sentido", dirán. Pero de vez en cuando, después de una pequeña pausa, alguien inevitablemente preguntará: "Entonces, ¿dónde enchufas la guitarra?"

Esa es en realidad una pregunta justa e importante. Existe la opinión de que los sintetizadores modulares son máquinas de música todo en uno y, hasta cierto punto, eso es cierto. Los artistas ambientales como Dream Chambers y Jogging House tienen configuraciones principalmente modulares. Los productores de hip hop como JWords, Ski Beatz y Timbaland usan sintetizadores modulares para crear ritmos. Sintetizadores como Glia y Floating Points han llevado los sintetizadores modulares al reino del jazz (o adyacente al jazz). Hiro Kone y Caterina Barbieri usan sintetizadores modulares para crear composiciones alucinantes que incorporan elementos de techno, kosmische y minimalismo. Un sintetizador modular no necesariamente necesita interactuar con otro hardware para hacer composiciones completamente desarrolladas.

De lo que se habla menos, pero quizás podría hacer que los sintetizadores modulares sean un poco más accesibles, es la capacidad de modular sonidos que no se originan dentro del propio instrumento. Muchos sintetizadores de teclado tienen entradas de audio que se usan para procesar señales externas: escuche el álbum de 1972 de Annette Peacock I'm The One para escuchar voces tratadas con Moog, o The Feedback Sutras de Tarotplane para aprender cómo suena la guitarra cuando se filtra a través de un Korg MS-20.

El mundo Eurorack, sin embargo, ha ampliado enormemente la idea de procesar sonidos externos. Hablé con varios artistas y productores sobre el uso de sintetizadores modulares para el procesamiento de señales externas al componer, producir o mezclar.

El viaje de Adam McDaniel hacia el procesamiento de sintetizadores modulares comenzó con un mensaje de error. Pro Tools se cerró sobre él durante una sesión, declarando que su "automatización era demasiado densa para la reproducción". Me dice esto con una risa astuta y agrega: "Maldita sea, eso es bastante enfermo". McDaniel no es ajeno a los equipos fuera de borda, ya que es uno de los fundadores y productor/ingeniero de Drop of Sun, un estudio de grabación en Asheville, Carolina del Norte.

Aún así, necesitaba una solución a su problema de automatización que pudiera configurarse en tiempo real. Después de cambiar a un sistema modular para el procesamiento de efectos, McDaniel encontró que las posibilidades dinámicas se expandieron drásticamente. "Es como un [Eventide] H3000 explotado", dice. "Todos los parámetros automatizables están allí para que los toque".

McDaniel se enteró por primera vez de la síntesis modular al asistir a una charla impartida por el fundador de Make Noise, Tony Rolando. Rolando estaba explicando MATHS, un módulo de computación analógica. McDaniel describe la charla como igualmente confusa e intrigante, abriéndolo a un "mundo completamente nuevo de imaginación". Ahora, armado con más experiencia y conocimiento teórico, McDaniel le da crédito al mundo de los sintetizadores modulares por mantener las sesiones espontáneas y emocionantes, guiando a los artistas hacia sonidos que no sabían que eran posibles.

Make Noise Erbe-Verb es uno de sus favoritos en particular, ya que se ha convertido en un módulo de referencia para efectos vocales. Le gusta usarlo para atenuar, ya que sus parámetros "Decay" y "Absorb" se pueden programar a través del voltaje de control para crear exuberantes ráfagas de reverberación. También utiliza el módulo de distorsión MӦG D-2 de DPW Design para introducir a los guitarristas escépticos en el mundo de los sintetizadores.

Según McDaniel, la destrucción es una de las partes más cruciales de su proceso. "Desconecto todo [después] de cada canción", dice. "No recuerdo mis parches a propósito". McDaniel quiere mantener sus ojos frescos para cada cliente. Al comenzar con una pizarra en blanco, cada sesión se vuelve totalmente colaborativa, llevándolo a él y al artista a un nuevo territorio sonoro.

Cuando Meg Mulhearn se enteró por primera vez de la síntesis modular, sus pensamientos se dirigieron de inmediato al violín, su instrumento principal desde los 8 años. "Quería que [ellos] fueran amigos", me dice con una sonrisa. "Se me ocurrió [de inmediato], pero necesitaba obtener algo de síntesis en mi haber". Luego comenzó a estudiar cómo funcionan los sintetizadores, primero aprendiendo el semimodular Make Noise 0-Coast antes de construir un sistema completamente modular.

Mulhearn estuvo a cargo del departamento de envíos de Make Noise durante varios años, pero también realizó videos de demostración de 0-Coast para la empresa y realizó talleres para enseñar los conceptos básicos de síntesis. Después de desarrollar un sólido flujo de trabajo con el módulo, Mulhearn comenzó a integrar el violín, utilizando módulos como Morphagene y Mimeophon para descubrir cualidades del instrumento que nunca antes había escuchado.

En los álbumes más recientes del músico de Carolina del Norte, Breath is a Wave y Conjunctions (una división con Belly Full of Stars de Nashville), Mulhearn hace estallar el violín. Sus composiciones son pesadas y en capas, influenciadas por años de tocar en bandas de metal como US Christmas y Descolada. Los ritmos en bucle se pliegan en sí mismos mientras los drones flotan como una niebla espesa.

"Balance Wheel", un punto culminante con fallas de su lado de Conjunctions, presenta un violín punteado en bucle en el Morphagene. Luego pasa por el retardo estéreo en cascada del Mimeophon. Al cambiar la resonancia en el parámetro "Color" de Mimeophon, Mulhearn descubrió que podía acentuar el rasguño producido por sus dedos al tocar las cuerdas, dando al bucle un brillo de distorsión suave.

Cuando toca en vivo, a menudo usa carretes Morphagene similares para activar puertas en la interfaz de percusión 4MS, que envía a través del sistema para desencadenar otros eventos. Le gusta crear un "bucle completo donde el violín [es] la fuente de los cambios [mientras] son ​​procesados ​​por el sintetizador".

Mulhearn afirma que usar el sintetizador modular, especialmente junto con el violín, "reconectó su cerebro". La facilidad con la que lo modular puede facilitar el cambio refleja la existencia misma; "Todo es mutable", dice ella. Tanto la vida como la síntesis consisten en ciclos que aprendemos a interrumpir, modular o dejar ser.

Es casi imposible hablar de los últimos treinta y tantos años de música electrónica sin mencionar a King Britt. A finales de los 80 y principios de los 90, King ayudó a dar forma a la escena electrónica de Filadelfia. Junto con Dozia Blakely, creó la noche Back2Basics en Silk City mientras trabajaba como comprador de vinilos de música dance en Tower Records. Ishmael Butler le pidió a Britt que se uniera a Digable Planets como su DJ, y pasó dos años y medio con ellos de gira. Ha colaborado con De La Soul, Madlib, Gonjasufi y Tyshawn Sorey, ha remezclado canciones de Solange y Meredith Monk y ha tocado en festivales como AfroPunk, Moogfest y Le Guess Who. Britt ahora enseña Blacktronika: Afrofuturism In Electronic Music, un curso de conferencias que diseñó para el programa Computer Music de la Universidad de San Diego. El curso honra las contribuciones e innovaciones a la música electrónica de los negros y otras personas de color.

Britt también es un maestro sintetizador con una enorme colección de módulos y sintetizadores de teclado. Le gusta especialmente crear pequeños sistemas modulares con los estuches 4ms Pods para tareas sónicas específicas. “Puedo limitarme a ciertos efectos o procesamientos específicos para ciertas tareas sin dejarme seducir por otros módulos”, explica. "Por ejemplo, tengo Mannequins Just Friends y Clouds juntos para el procesamiento de señales". Últimamente, ha estado usando Make Noise Tape & Microsound Music Machine, un sistema esquife que presenta los módulos Wogglebug, MATHS, Morphagene, QPAS, Mimeophon y XOH de la compañía, para procesar grabaciones de la naturaleza en "sonidos [rítmicos] de otro mundo".

Una vez que encuentra los sonidos que quiere tratar, los lleva a través de un proceso de muestreo de varios pasos. Primero, carga los sonidos en el Morphagene y los corta en los empalmes que quiere efectuar. A continuación, decide cómo activar los empalmes. A veces, envía un LFO desde las herramientas de Ableton al módulo. Otras veces, usa la salida Accent Trigger de Boss DR-110 para enviar señales de puerta rítmicas para secuenciar los empalmes. Puede "alterar creativamente dichos empalmes" con el filtro QPAS del sistema y el eco Mimephon mientras graba la interpretación en Ableton para guardarla para uso futuro.

Para Britt, la alegría de la síntesis en los momentos fugaces del descubrimiento. Crea algunos parches para repetir; en esos, tomará copiosas notas. Pero en su mayor parte, grabará todo lo que pueda con un parche, exprimiendo hasta la última gota de posibilidad creativa, luego lo derribará y lo olvidará.

La década de 1980 no sonaría como lo hizo sin Gareth Jones. El productor comenzó su viaje musical experimentando con bucles de cinta y ediciones. Más tarde se formó en la BBC y rápidamente comenzó a trabajar en Pathway Studios en el norte de Londres. Allí grabó los primeros sencillos de Madness y John Foxx antes de trasladarse a Berlín para trabajar en Hansa Tonstudio. Finalmente, su trabajo llamó la atención de Depeche Mode, para quien produciría cinco discos. Jones fue una fuerza importante en la música new wave e industrial, trabajando con bandas legendarias como Einstürzende Neubauten, Erasure y Wire.

Tenía experiencia en el uso de sintetizadores modulares de los años 70 y 80, las enormes cajas de circuitos con conectores de un cuarto de pulgada que parecían armas, así que cuando se produjo lo que él llama la "revolución Eurorack" hace más de una década, estaba muy intrigado. Sin saber por dónde empezar con Eurorack, visitaba regularmente Schneidersladen, la famosa tienda de sintetizadores de Berlín, con dinero en efectivo en la mano. "En ese momento, la mayor parte de mis ingresos provenían de mezclar discos", dice. "Pensé que podría justificar el gasto si compraba módulos para mezclar".

El primer módulo que eligió fue Make Noise Echophon, que lo atrajo gracias a su "color y carácter de eco únicos". A medida que expandió su configuración de mezcla Eurorack, incluyó módulos como Mutable Instruments' Clouds, un sintetizador granular, y TouellSkouarn Ar Merc'het Brao, un overdrive de doble filtro. Cuando se unen en una cadena de mezcla, los dos crean "colores armónicos masivos".

Como uno de los primeros en adoptar samplers, Jones está entusiasmado con las capacidades de muestreo de Eurorack. Para explorar estas posibilidades, ha ensamblado un sistema específico de sampler con módulos como Morphagene, 2hp Looper y Bitbox Micro. En Sunroof, su dúo con el fundador de Mute Records, Daniel Miller, Jones usa su plataforma de muestreo para manipular la salida del sistema de Miller en nuevas texturas y formas rítmicas. Para Jones, el sintetizador modular tiene que ver con la "apertura", la voluntad de seguir los sonidos y dejar que la máquina lo lleve a "destinos inesperados".

Aunque principalmente conocida por la música country, Nashville, Tennessee, tiene una escena ambiental pequeña pero próspera. Kim Rueger es uno de sus ejes. Graba material en solitario como Belly Full of Stars y toca el piano en Nashville Ambient Ensemble, un supergrupo de Music City que incluye al guitarrista de pedal steel Luke Schneider y a la violinista Alicia Enstrom. La música delicada y envolvente de Reuger a menudo suena como si estuviera flotando desde una habitación cercana, asentándose suavemente como una fina niebla.

Cuando comenzó a tocar en espectáculos en vivo, Rueger cantaba armonías vocales en la aplicación para iPad Borderlands Granular y ejecutaba grabaciones de campo a través de varios pedales de guitarra. Complementó estos pasajes de textura con un sintetizador Volca FM. Eventualmente, Rueger se interesó en la síntesis modular para expandir sus capacidades de procesamiento. Ella construyó un sistema basado en Morphagene y Phonogene, cuya combinación ahora llama el "corazón de lo que hace".

La primera incursión de Rueger en el uso del procesamiento modular como herramienta de composición provino de un encargo de 2019 del Proyecto 20x20 con sede en Londres. Encargó a 20 artistas que hicieran un álbum de 20 pistas, cada canción duraba exactamente 20 segundos. Para crear las piezas para su entrada, el azul es el color de la luz de mi verdadero amor, Rueger llenó un pequeño esquife con su Morphagene, un filtro de sable de Delta Sound Labs, una música de radio modular Music Thing, una función de hacer ruido y un grano de 2 hp. . Compuso una pieza para piano de 20 segundos de duración, cortando cada segundo en una nueva muestra con Morphagene. Ella estiró, deformó y filtró estas pequeñas muestras en zánganos oscilantes o bucles chisporroteantes con cambio de tono.

Aunque con frecuencia usa el piano como su principal fuente de sonido (Rueger me dice que no tuvo un oscilador en su sistema durante años), ha creado piezas a partir de grabaciones de campanas de viento, ruido de la calle y el sonido de un cubo de hielo arremolinándose. un vaso. "Puede ser cualquier cosa vale", dice ella. Para Reuger, componer con el sintetizador modular consiste en dejar que el proceso se dirija por sí mismo, permitiendo que los sonidos determinen hacia dónde quieren ir.

El trabajo de Bill Pettaway ha impactado profundamente el panorama de la música pop durante más de 40 años. Este multiguionista nacido en Maryland y radicado en Miami vive al servicio de su creatividad, siempre en busca de una nueva fuente de inspiración. Su viaje musical se siente casi mítico en proporción: ganó un Grammy como compositor, descubrió a Toni Braxton y ha sido el músico de sesión de Timabland durante décadas, tocando la guitarra en canciones de Missy Elliott, Justin Timberlake, Ginuwine y Jay-Z. También es un sintetizador modular y ha lanzado música en el sello Aventures, Ltd. de Robert AA Lowe.

Cuando Pettaway se enteró por primera vez de los sintetizadores modulares, había estado buscando "algo tan crudo que pudiera ser cualquier cosa". Al principio no entendía cómo abordar un sistema modular, pero se sintió llamado a seguir explorando. "No tenía ningún sentido", reflexiona, "pero me metí profundamente". Aprendió a armar secuencias y modularlas con otros circuitos. El Morphagene lo abrió de par en par para él, cerrando la brecha entre el instrumento y la unidad de procesamiento. "Puedo usarlo como bucle, puedo usarlo como retraso", dice. A menudo, usará Morphagene para cambiar el tono de la voz de un cantante y enviar esa voz procesada a un codificador de voz.

Sin embargo, más allá de cualquier módulo específico, Pettaway dice que las partes más críticas del procesamiento de señales son tener un reloj sincronizado y estar presente en el momento. “Lo que te permite hacer un reloj es regresar con un sistema o instrumento modular diferente, repensarlo, ajustarlo e incorporarlo a la cadena de procesamiento”, dice. Para mantenerse abierto a cualquier inspiración que pueda surgir, Pettaway hace todo lo posible para evitar usar su sintetizador de la misma manera dos veces. Siempre se presenta a una sesión con un sistema sin parches y desconecta todos los cables después de grabar. "Se trata del momento", declara. "Eso es lo que hace que algo sea único".

La música pesada y experimental moderna no sonaría como suena sin Randall Dunn. Ha producido discos para Sunn O))), Earth, Midday Veil y Marissa Nadler, hizo álbumes en colaboración con Oren Ambarchi y Lesli Dalaba, y grabó como miembro de Master Musicians of Bukkake. Trabajó extensamente con Jóhann Jóhannsson en su banda sonora de Mandy y produjo y diseñó la partitura de la leyenda de los sintetizadores modulares Robert AA Lowe para Candyman. Su currículum es profundo e impresionante.

Había estado tocando sintetizadores durante años, pero no fue hasta que un músico de sesión le mostró cómo pasar el sonido de un kit de batería a través de un Minimoog que comenzó a usarlos como herramientas de procesamiento. Dunn comenzó a integrar una variedad de sintetizadores de hardware en su práctica de mezclas, pero quedó cada vez más encantado con el mundo Eurorack a medida que se desarrollaba.

"Lo bueno de [Eurorack]", dice, "es que si construyes un sistema útil, puedes sincronizarlo con Pro Tools. Si tu canción está en un clic en particular, e incluso si no lo está, puedes comenzar a pensar crear multitud de modulaciones, efectos y automatización dentro del contexto de una mezcla". Comenzó con Mutable Clouds antes de expandir su rack significativamente, centrándose especialmente en varios módulos de retardo. Recientemente, integró Make Noise Mimeophon en su paleta de producción, usándolo para secuenciar "reverberaciones extrañas, casi cerradas" en las voces. En muchos casos, quiere añadir un carácter alucinatorio, ligeramente inhumano a la voz de un artista, manteniendo su cualidad orgánica. "Como una sombra compleja y modulada", dice, "es como se ve la gasolina cuando está flotando en el agua".

Aunque Dunn enfatiza la importancia del azar en la producción, no necesariamente ve los sintetizadores modulares como el circuito indómito de posibilidades infinitas. Para él, la síntesis también se trata de precisión, un cinturón de herramientas lleno de herramientas que se utilizan para lograr un resultado sonoro particular. "Es interesante porque nada de esto es nuevo", dice. "Para mí, mucho de esto se basa en el dub, como King Tubby haciendo un ecualizador secuenciado por pasos". Añade que independientemente de las herramientas utilizadas, todo vuelve a ganar estructura y flujo de señal, descifrando cómo dejar que cada elemento tenga su propio espacio sónico.

Animal Collective ya llevaba 15 años en su carrera antes de que Brian Weitz, también conocido como Geólogo, comenzara a experimentar con sintetizadores modulares. Noah Lennox (Panda Bear) había integrado algunos módulos de batería JoMoX en su configuración, y Weitz se sintió fascinado e intimidado por la síntesis modular. Mientras la banda estaba en Drop of Sun en Asheville, ensayando el material que se convertiría en Painting With de 2016, Adam McDaniel los llevó a la sede de Make Noise justo al final de la calle. Weitz recibió una demostración del Shared System, el instrumento que combina todas las técnicas de síntesis de Make Noise, y se sintió especialmente atraído por Phonogene. Los samplers complejos, como el Elektron Octatrack, presentaban demasiadas opciones de menú para Weitz. El Phonogene le pareció una unidad de muestreo accesible que le permitía experimentar y hacer collages.

Poco después de Painting With, VICE le pidió a Weitz y Dave Portner (Avey Tare) que participaran en la serie documental Earthworks de la cadena. Los músicos exploraron el Amazonas, capturando los sonidos de la selva tropical con sus equipos modulares, creando loops, cortando y resaltando texturas con sus Phonogenes. Esas grabaciones de campo procesadas se convirtieron en el lecho para el psych-folk que se desarrollaba lentamente en el EP Meeting of the Waters.

Aunque ha conservado su Phonogene, Weitz se actualizó recientemente a Morphagene y ha profundizado en sus capacidades de procesamiento. Ha estado trabajando en un disco usando muestras de un amigo cercano tocando la guitarra acústica, recortando frases musicales particulares y ajustándolas hasta que "el material de origen es irreconocible".

En algunas piezas, Weitz usa una pequeña muestra de un segundo de una cuerda punteada, secuenciando la entrada Varispeed de Morphagene con su Rene para crear lo que "casi sonaría como un [guitarrista] tocando un lick". Para Weitz, usar el modular lo ha llevado por un camino de descubrimiento espiritual: comprender que un sonido es simplemente una instantánea de un momento, cuyos límites se pueden explorar, empujar y remodelar por completo.

Después de que el primer álbum de Sylvan Esso comenzara a explotar, Nick Sanborn se sintió atraído en una nueva dirección sónica nebulosa. La configuración que había usado para producir los trasfondos de electro-pop para las voces cálidas de Amelia Meath era simple: una computadora portátil cargada con Ableton, un controlador MIDI, un Roland Juno-6 y un Moog Minitaur. Los sintetizadores modulares Eurorack estaban ganando protagonismo y Sanborn se preguntaba cómo un sistema modular podría expandir su vocabulario compositivo.

Estaba muy entusiasmado con las posibilidades de "muestreo de campo izquierdo" de Make Noise Phonogene. Meath animó a Sanborn a armar un bastidor modular, y construyó un pequeño sistema alrededor del Phonogene, complementándolo con un Make Noise Wogglebug y un Cold Mac y Just Friends de Mannequins.

Su entrada en el ámbito modular fue fructífera de inmediato: "Inmediatamente obtuve un montón de cosas que llevaron a canciones en [What Now]. Phonogene está en todo ese disco". Al citar ejemplos, señala la introducción de "Die Young", una conmovedora reflexión sobre el amor y la muerte que se ha convertido en una de las canciones más importantes del dúo. La pista se abre con un bucle melódico entrecortado muestreado de la voz de Meath, cortado y repetido por Phonogene.

Desde entonces, Sanborn amplió su sistema modular, actualizó Phonogene a Morphagene y agregó Beads de Mutable Instruments, su módulo favorito actual. El sintetizador modular es ahora su principal método de composición. Al escribir el último disco de Sylvan, No Rules Sandy, Sanborn y Meath tocaron específicamente para encontrar momentos para probar, utilizando Morphagene y Rabid Elephant Natural Gate para convertir fragmentos de guitarra o voces en pads y sonidos de percusión.

Sanborn le da crédito a los sintetizadores modulares por cambiar su relación con la inspiración. "Desbloqueó una nueva forma de pensar para mí", dice, y explica que su modular le permite "simplemente comenzar" en lugar de esperar a que lo inspiren. En lugar de acercarse al sintetizador con una idea fija, Sanborn comienza con una pregunta: "¿Qué tienes a tu alrededor? ¿Qué suena genial? ¿Cómo podemos cambiarlo? Luego respondes esa pregunta por ti mismo y sigues desde allí". El proceso es diferente cada vez, lo cual es parte de la alegría. "Si tuviera una idea específica de lo que quería, no usaría modular", dice.